La fée marraine de Disney est-elle morte ?

« Inspiration Walt Disney : Animation pour les Arts Décoratifs Français« , qui a ouvert ses portes ce mois-ci au Metropolitan Museum of Art, est une exposition de vacances classique : familiale, mousseuse et sans restriction. Comme la saison des vacances elle-même, la promesse est un peu surfaite.

L’exposition retrace, dans des détails souvent infimes, les éléments disparates des mouvements esthétiques européens que les animateurs de Disney, au nombre de 600 à la fin des années 1930, ont balayés dans ses films : le rococo français dans « La Belle et la Bête » (1991) ; Architecture gothique dans « Cendrillon » (1950), art de la fin du Moyen Âge et du début de la Hollande dans « La Belle au bois dormant » (1959), romantisme germanique du XIXe siècle dans « Blanche-Neige » (1937). Toutes ces histoires sont originaires d’Europe, donc l’idée qu’une machine Disney a ancré son interprétation visuelle dans l’art européen n’est pas aussi un bond que le spectacle d’Hamlet à Manhattan à l’époque des années 2000.

Comme le titre l’indique, il y a beaucoup de candélabres en bronze doré français du XVIIIe siècle, de figurines en porcelaine et de biscuits moelleux, mais il y a aussi, par les quatre films Disney inclus dans le traité, une bonne part d’exemples allemands et néerlandais, et britanniques aussi . Ces pièces, au total 60 pièces et la plupart provenant de la collection privée du musée, sont complétées deux pour une par des pièces directement prêtées par Disney : 150 pièces d’art, des œuvres sur papier, des séquences de films de la Walt Disney Animation Research Library, le Walt Les archives Disney, la Walt Disney Fictional Collection et le Walt Disney Family Museum, qui peuvent donner au spectateur l’impression qu’Alice tombe dans le terrier du lapin dans un article de contenu sponsorisé. (Le Met dit que le spectacle n’a pas été sécurisé par Disney, et je ne suis pas sûr que ce niveau de caprice pour les entreprises sanctionnées soit meilleur ou pire.)

L’original « La Belle et la Bête » est un conte de fées de l’époque rococo écrit par le romancier français Gabriel Suzanne Barbeau de Villeneuve, et plus tard popularisé par Jean-Marie Lebrance de Beaumont. (Jean Cocteau a également réalisé une célèbre version cinématographique, en 1946.) Aucune de ces trois friandises ne présentait de manière inexplicable des montres et des théières anthropomorphes de Paul avec des accents anglais, ce qui est considéré comme un triomphe de Disney. L’exposition, cependant, est attribuée à Prosper Julio de Cribion, dont le roman de 1742 « Le canapé, une fable morale » raconte l’histoire d’un homme qui a été puni pour malhonnêteté en condamnant son âme à vivre dans des canapés jusqu’à ce qu’il assiste à une déclaration d’affection. .

L’émission explique que ce prédécesseur était inconnu des animateurs de Disney et que l’invention de la société est due au hasard. Le Met Museum essaie d’établir cette section avec une extension Magnifique canapé rouge (veilleuse ottomane Il date d’environ 1760, pour montrer ses racines rococo.

S’il n’y a pas de mauvaise excuse pour regarder le magnifique canapé ou le service de table de Sèvres richement décoré et miraculeusement complet vers 1775, comme également montré ici, il s’agit d’une affinité implicite avec le duo Disney « La Belle et la Bête » de Dame « La Belle et la Bête » Potts (transformée en théière) et son fils Chip (une tasse de thé) se sentent bouleversés et ambivalents. En fait, nous avons appris que les animateurs de Disney ont trouvé les lignes déchiquetées de Rococo impossibles à traduire et ont plutôt opté pour une expression stylistique neutre. Cela se voit ici de manière décevante dans les costumes caricaturaux de ses personnages masculins : l’éclat de Rococo a été atténué pour ne pas aliéner les notions de masculinité américaine. Le Gaston historiquement correct aurait ravi un corsage luxueusement brodé et une cravate à volants, plutôt qu’un col en V de couleur unie dont le seul embellissement était le volant plongeant.

Au-delà des visuels, il existe un parallèle plus étroit entre l’objectif de divertissement de masse de Disney et l’expression superficielle de plaisir de Rococo que le spectacle ne découvre pas (l’exposition est organisée par Wolf Burchard, conservateur associé au Met Museum). Les deux écoles reflètent l’optimisme à courte vue de leurs créateurs, Rococo, avec leur sur-ornement, leur palette de couleurs pastel et leurs formes gracieuses évoquant la jeunesse et l’érotisme; Disney avec ses idées plates de fins bonnes, mauvaises et ordonnées. Cet optimisme a payé plus pour Disney que Rococo, dont la décadence aristocratique a contribué à déclencher la Révolution française.

L’exposition repose sur des rimes forcées, comme la suggestion que la nature morte à Beauvais d’Alexandre François Desports (1661-1743) ressemble peut-être à un choeur et à une menorah »Sois notre invité, «  Et que le satyre qui préside à la fête du tableau est apparenté à Lumière.

L’une des influences les plus claires et les plus durables de Disney est Château de Neuschwanstein en Bavière, un dessert historique du 19ème siècle construit en l’honneur de Richard Wagner. C’est le modèle direct des pièces maîtresses des parcs à thème Disney du monde entier et de nombreuses itérations de son logo. Il est donc surprenant que Neuschwanstein n’apparaisse que brièvement à la fin du spectacle. En toute honnêteté cependant, Inspiration de Walt Disney, Animation de Burgenromantik ne glisse pas facilement de la langue.

Vous pourriez penser que Disney s’opposerait à l’analyse du Met de ses technologies appropriées, mais le spectacle fait attention à ne pas utiliser le mot « A » (le catalogue élargi répond pleinement à cette idée). Les films Disney sont « influencés » et « inspirés » par l’art européen plutôt que par leurs ascenseurs en gros. Mais l’exposition serait mieux servie en situant les œuvres de Disney dans un continuum de vols voilés qui fait revivre l’histoire de l’art. Il n’y a pas de honte à voler, comme l’attestent les exemplaires du Titien de Rubens à l’étage.

Au lieu de cela, l’émission propose une analyse fascinante bien que involontaire de la compulsion américaine en particulier de prendre les idées européennes et de les aggraver un peu (culture du café, pâtisserie, démocratie) et d’obliger les entreprises à aggraver un peu ces idées.

Les artefacts Disney les plus intéressants sont les panneaux d’art conceptuel d’animateurs célèbres – des dessins de Mary Blair aux couleurs vives et presque abstraits; Panneaux de dos superposés profonds d’Evind Earl’s ; Couleurs pastel douces et vibrantes de Mel Show; et les somptueux graphismes préparatoires de Kay Nielsen, qui étaient tous indésirables ou en grande partie aplatis, selon le spectacle, au réalisme mat de Disney. Ils ont l’air complètement étrangers à leurs homologues ultimes, et on ne peut qu’imaginer à quel point ces films auraient été riches s’ils avaient été fidèles à voir leurs artistes.

La production Disney est-elle de l’art ? Ce n’est pas une question qui dérange vraiment la galerie, mais une question que la galerie insiste pour être imprimée en gros caractères de toute façon, probablement afin d’anticiper la critique. En 1938, avons-nous appris dans l’émission, lorsque le Met a accepté le cadeau de Disney d’un dessin animé fluide « Blanche-Neige » dans sa collection, Walt Disney a habilement suggéré que plusieurs des vieux maîtres qu’il rejoignait feraient de bons employés, même l’homme qui était sans doute le plus gros propriétaire. rien sur l’art. Je ne sais rien d’elle. « ).

Aujourd’hui comme alors, le Met met sa liste Disney actuelle sur le même record qu’une vision audacieuse, comme si Disney était toujours un studio d’animation de pointe et non la plus grande collection d’adresses IP de divertissement au monde.

La conscience de soi n’est pas nécessaire. Disney a résisté à la controverse haute et basse il y a longtemps. Une meilleure question est de savoir si une grande organisation artistique consacre une programmation à un géant de plusieurs milliards de dollars qui sert mieux son public (le Met permet à Condé Nast de le faire aussi une fois par an, bien sûr, via une fête de l’institut du costume).

Au moment où je crache sur Petrie European Sculpture, il est difficile de dire qui est tout cela. Les amateurs d’arts décoratifs sont susceptibles de s’opposer à la dilution de la forme, dont une grande partie est exposée ailleurs dans le Musée sans interruption commerciale ; Et il est douteux que les compliments de Disney, qui peuvent être si frénétiques dans leur fidélité, aient un trou en forme de rococo dans leur cœur.

« Les enfants croient ce que vous leur dites et ne le remettent pas en question », dit l’introduction de Cocteau à La Belle et la Bête. La naïveté aide certainement ici aussi. Elle a observé une jeune fille vêtue d’un tutu tutu essayant d’escalader le verre d’une figurine en verre Meissen de Johann Joachim Kandler, et a été particulièrement fascinée par un groupe, un renard accompagne un chanteur sur une harpe. Elle passait un bon moment.

Inspiration Walt Disney : Animation pour les Arts Décoratifs Français

Le 6 mars, Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Avenue, (212) 535-7710, metmuseum.org.